A fotografia como motivo para viajar. No seu primeiro contacto com câmaras fotográficas e o ofício do fotojornalismo, aos 19 anos no Paquistão, Chris Stowers deparou-se com uma paixão que o levaria pelo mundo. Três décadas de presença em conflitos e passagens por crises humanitárias violentas, moldaram a carreira de um contador de histórias, agora renomado fotojornalista de uma prática que ele próprio diz estar em perigo de extinção. Por outro lado, deixou a sua visão, em entrevista ao PONTO FINAL, sobre a resistência da fotografia no contexto global actual. Uma prática que vive no “presente e no futuro” ao contrário das novas tecnologias que se alimentam do que já existe.
Chris Stowers é um renomado fotojornalista britânico baseado em Taiwan, cuja carreira abrange mais de três décadas a captar a essência da condição humana em cenários de crise e conflito. Nascido em um ambiente que fomentou a curiosidade pela narrativa visual, Stowers aperfeiçoou as suas habilidades em mais de 70 países, focando em áreas onde a luta pela sobrevivência é uma realidade quotidiana. Através das suas lentes, trouxe à luz as histórias de pessoas que, de outra forma, permaneceriam invisíveis no mundo.
Lança este domingo o seu novo livro, “Shoot, Ask… and Run!”, que funciona como uma reflexão sobre o ethos do fotojornalismo, através de um compilado das suas experiências arrebatadoras pelo mundo. Com um estilo que alterna entre o sério e o irónico, Stowers transporta os leitores por episódios que vão desde confrontos com gangues na Indonésia até ao momento angustiante em que foi capturado por milícias durante a guerra na Bósnia, revelando a dualidade entre o terror e o absurdo da vida em situações extremas.
Stowers salienta a relevância do fotojornalismo como um meio de dar voz àqueles que enfrentam a injustiça, defendendo que a imagem tem o poder singular de humanizar estatísticas duras e contar histórias que, de outra maneira, poderiam passar despercebidas. Considera que cada fotografia pode provocar uma indagação e uma reflexão sobre as realidades complexas que nos cercam.
Em entrevista ao PONTO FINAL, Chris Stowers referiu que irá partilhar com o público não apenas os desafios enfrentados durante as suas coberturas mediáticas, mas também o sentido de propósito que o move na sua procura incessante por capturar a verdade. Explora a intersecção entre arte e activismo, e como, através da fotografia, é possível moldar a empatia e a compreensão das crises contemporâneas que afectam a humanidade de forma profunda e abrangente.
Como é que a sua primeira viagem ao Paquistão, em 1987, moldou a sua perspectiva sobre as zonas em crise humanitária?
Tinha 19 anos, encontrava-me no Reino Unido, mas, de repente, dei por mim no Paquistão, na fronteira com o Afeganistão, numa zona de guerra, em 1987. Tinha uma máquina fotográfica comigo, o que foi uma grande sorte. Fui parar a um hotel barato onde se encontravam muitos outros excelentes fotógrafos, mas não muito bem-sucedidos, que estavam à espera de ir para o Afeganistão e outros que regressavam com as suas histórias. Pude brincar com o equipamento fotográfico e as objectivas deles. Fiquei viciado ao ouvir as suas histórias e os conselhos que davam sobre fotografia. Pensei que não podia pôr os ensinamentos em prática até ter tido algumas aventuras, o que demorou alguns anos até me tornar um fotógrafo profissional e vender as minhas primeiras histórias e palavras. Mas em termos de zonas de conflito, quer dizer, talvez pareça no novo livro que se trata de guerra, mas na verdade cubro mais crises de refugiados, emergências ambientais, terramotos e assuntos desse género, do que zonas de guerra. Mas, no fim das contas, o resultado de todos estes problemas humanos, são pessoas deslocadas ou traumatizadas de uma forma ou de outra. Por isso, é o elemento humano que considero interessante fotografar em todas estas condições diferentes e, numa guerra, vê-se isso mais facilmente… à superfície, no nosso mundo civilizado, disfarçamos todas as nossas emoções, mas numa situação de guerra, é um pouco viciante, porque sentimos que nos ligamos às pessoas sem filtros. Encontro as pessoas mais honestas e carinhosas, por vezes nas situações mais terríveis, o que é uma grande contradição. Desde os primeiros tempos a fotografar, foi certamente isso que me atraiu, penso eu. Era uma forma de compreender rapidamente o que se passava na situação e na mente das pessoas num país estrangeiro.
Pode partilhar uma experiência específica em que o seu mantra “Dispara, pergunta… e Foge!” o tenha ajudado a ultrapassar uma situação perigosa?
É na última parte do livro, onde estou a regressar a casa depois de seis anos de viagens e senti que tinha de estabelecer as minhas credenciais e ir para uma zona de guerra perigosa. Estava a tentar fotografar alguns refugiados bósnios. Eram refugiados sérvios da Bósnia. E o facto de não gostarem de ser fotografados não é por odiarem a câmara, mas são pessoas muito orgulhosas e não gostavam de ser fotografadas nesta situação humilhante. Começaram a ser alvejados. Comecei a tirar-lhes fotografias e eles não gostaram nada. Mas eu era um jornalista, só que não parecia um verdadeiro jornalista. Estava sem dinheiro, com um ar sujo e pouco acolhedor, sem intérprete. Então, perguntei se podia fotografar, mas nem isso ajudou. Por isso, fugi. Segui um médico de combate que me chamou para dentro de um hospital. Pensei, óptimo, posso ir e tirar algumas fotografias dos feridos, e afasto-me destes outros tipos que não gostam muito de mim. Mas o tipo do hospital disse que, basicamente, tinha dito às autoridades do hospital: “Este homem tem andado a fotografar as estradas, os sinais e as pessoas, deve ser um espião, um espião bósnio”. Algemaram-me as mãos atrás das costas, empurraram-me para um carro. O tipo que estava atrás de mim pôs-me uma pistola na cabeça e levaram-me. Estava a pensar, será que, quando o carro abrandar na curva, posso sair pela porta e começar a correr? E, neste caso, de facto, o mantra não teria funcionado. Se eu tivesse tentado fugir, eles teriam uma desculpa para atirar em mim. Por isso, de facto, nesse caso, não obedeci ao mantra, às vezes não funciona, a fuga, temos de considerar muito cuidadosamente o momento de fugir, caso contrário, podemos mesmo meter-nos em mais problemas. Mas a primeira, disparar e perguntar, normalmente funciona. Por isso, dispara primeiro e pergunta depois. Fotografar primeiro significa captar a verdadeira emoção de um rosto. Assim que alguém nos vê, mesmo que não lhes tenhamos perguntado, eles sabem e começam a actuar e nada é real novamente, podia ser bom, mas não é, não é tão bom como da primeira vez. Por isso esse é o impulso inicial para esse mantra, fotografar sempre primeiro. O que eu descobri é que se investir algum tempo, e especialmente se tiver duas câmaras, não uma, mas duas câmaras, você é um fotógrafo, com uma, você é um turista, as pessoas parecem compreender isso e, se passarmos meia hora numa esquina e, eventualmente, se esquecerem que estamos lá, tornamo-nos invisíveis e, então, podemos realmente escapar com muita coisa e, lentamente, aproximamo-nos mais e mais até conseguirmos a fotografia que queremos.
Que semelhanças encontrou na experiência humana em diferentes zonas de conflito?
É aqui que é muito importante ser fotógrafo e talvez não apenas jornalista, porque um jornalista pode muitas vezes fazer a história a partir das notícias que o fotógrafo traz de volta ao escritório. O fotógrafo fornece a informação em primeira mão, porque a redação não vai ao local, mas para tirar uma fotografia é preciso estar lá, é preciso sofrer a situação, se não se conseguir encontrar um abastecimento de água ou se há tremores de terra, vive-se com as pessoas que estão a sofrer. Por isso, penso que há uma espécie de aceitação relutante ou respeito que a população local tem por um fotógrafo que foi lá e se sujou com eles e sofreu com eles. O que descobrimos é que, e isto é o mais difícil, se estivermos a fotografar uma situação de refugiados, simpatizamos com as pessoas que estamos a fotografar. Absorvemos os problemas emocionais das suas vidas durante alguns dias, mas podemos sempre ir embora e eles têm de ficar lá. E há sítios que fotografei na fronteira entre a Tailândia e a Birmânia, em 1988, onde ainda estão em campos de refugiados quase 40 anos depois, ainda não regressaram. Porém, não perdem a esperança de regressar. Isto é um desperdício de potencial humano, todas estas zonas de guerra acabam por deslocar pessoas e é um desperdício de potencial humano.
Que papel desempenha o fotojornalismo na actualidade, tendo em conta as novas tecnologias?
Penso que, de certa forma, estamos todos sob a ameaça da Inteligência Artificial, mas continuo a acreditar que esta só pode funcionar com imagens e palavras que já foram escritas e fotografadas. Por isso, ainda temos de ir lá fora e fazer o trabalho árduo para obter o material real. Será que uma fotografia salva vidas? Pode mudar vidas, sem dúvida. Mas não sei se ajuda realmente a salvar pessoas. Por vezes, se fotografarmos um grupo étnico e a nossa história se tornar famosa na imprensa internacional, o governo dessas pessoas pode tornar-se mais duro com elas, porque está a expressar um ponto de vista não aprovado pelo governo. É preciso ter muito cuidado. Há uma citação de Emile Zola, o escritor francês: “Não se pode afirmar que se viu realmente uma coisa enquanto não a tivermos fotografado”. Vejo isso cada vez mais. É preciso ser fotógrafo para ver, não só a experiência humana, mas também para reconhecer uma cidade, para desfrutar de uma cidade enquanto a percorremos. Vemo-lo de uma forma diferente da de outras pessoas com profissões diferentes. A fotografia, na verdade, honestamente, é o passaporte para viajar. É a desculpa de que eu precisava. A desculpa de que precisava para ir lá para fora. Porque às vezes pensamos: “Estou a tirar uma fotografia desta situação terrível. Mas será que sou um turista? Isso significa que sou uma pessoa terrível”. Mas se estou a fazer um trabalho e tenho alguém que vai usar essas fotografias, talvez possa ajudar a pessoa que estou a fotografar. Então, estou a fazer parte de uma solução a longo prazo e, por isso, sinto-me mais honesto sobre o que faço.
Para os fotógrafos mais jovens que estão agora a começar, que tipo de ensinamentos ou ideias lhes daria?
Eu posso fotografar o que vejo à minha frente, não sou um fotógrafo artístico. Se tivermos o cérebro de um artista, podemos sempre inventar um novo método, um novo tipo de fotografia que as pessoas gostem de ver e os instrumentos para isso, a tecnologia agora é muito melhor e infinita do que quando eu estava a começar, eu só fotografava em película até 2006 na verdade, fui uma das últimas pessoas a mudar para o digital no meu tipo de trabalho. Por isso, agora, alguém que cresce rodeado de computadores, tem muitas oportunidades. Mas é preciso ter esse estado de espírito criativo. Continuo a achar que é preciso o básico. É preciso trabalhar num laboratório, saber revelar negativos. É preciso compreender a composição de luz e sombras, estas coisas básicas. A menos que saibamos isso instintivamente, não vamos conseguir passar à fase seguinte. Por isso, é necessário algum tipo de formação. Quer dizer, acho que uma formação mais formal pode ser positiva, mas eu recebi formação das pessoas que conheci no caminho. Mas também cometi muitos erros. Leva tempo. Por isso, não se apressem. Hoje em dia, o equipamento é caro. Pagaram-me acho que por uma fotografia no South China Morning Post, em 1990, 500 dólares de Hong Kong. Bem, conseguem adivinhar quanto é que eu recebo hoje por uma fotografia no South China Morning Post? 500 dólares de Hong Kong, o mesmo de há 30 anos.
Algum dos grandes fotógrafos do passado que o tenha inspirado?
Entre amigos pessoais, em termos de fotógrafos, gosto muito do estilo de fotografia de Robert Capa. Talvez porque fotografa rapidamente com equipamentos pequenos e capta apenas a emoção, não tem de ser exactamente nítido, como acontece com Cartier-Bresson. Há uma espécie de divisão entre os dois lados do cérebro: um é a arte e o outro é apenas a realidade. Eu gosto do lado da realidade. Por isso, sou definitivamente um apoiante de Robert Capa, James Nathway e todos estes tipos. Quando vi algumas fotografias em 1980 de Stephen McCurry, fotografias do Afeganistão, só de olhar para a National Geographic, onde foram publicadas, pensei que isto era espantoso e tentamos recriar esse tipo de condições de iluminação. Encontrar essas paisagens é que faz a imaginação fervilhar e temos de ir lá para fora para apanhar “aquela” fotografia. É tão bom, ficamos felizes por ter conseguido uma boa fotografia. Por isso, Steve McCurry e James Knack são duas outras influências. Mas, no fim de contas, tudo se resume sempre às pessoas.
